Historia del arte

El estilo como concepto

Schwanitz arranca con una observación metodológica: la historia del arte no es una colección de artistas sino una historia de estilos. Un estilo es la resultante de la tensión entre:

• La integridad de la obra (cada cuadro es una totalidad cerrada).
• La autonomía del arte (las obras se relacionan entre sí, no con la realidad).

Lo que cuenta una historia del arte no es “los pintores que más nos gustan”, sino cómo cambian las reglas del juego a lo largo del tiempo.

Eje cronológico simplificado de los estilos:

1000  ──── Románico
1200  ──── Gótico
1400  ──── Renacimiento
1600  ──── Barroco
1700  ──── Rococó
1770  ──── Neoclasicismo
1800  ──── Romanticismo
1860  ──── Impresionismo
1880  ──── Simbolismo, Expresionismo
1907  ──── Cubismo
1910  ──── Abstracción (Kandinsky)
       ──── Futurismo, Dadá, Surrealismo
1920  ──── Bauhaus, Constructivismo
1950  ──── Expresionismo abstracto
1960  ──── Pop, Minimalismo, Performance
1970  ──── Arte conceptual, instalación

Arte medieval: románico y gótico

Románico (1000-1200)

El románico es el primer estilo común a toda Europa. Schwanitz describe su contexto:

• Motivación: copiar lo que funcionaba. La Iglesia usa la copia como método pedagógico.
• Rasgos: arcos de medio punto, muros gruesos, escasez de vanos,雕塑 que ilustran escenas bíblicas para una población mayoritariamente analfabeta.
• Espacio: la arquitectura románica es sólida y por tanto oscura. Refleja una concepción del mundo donde Dios es peso, no luz.

Gótico (1200-1400)

Schwanitz presenta el gótico como la revolución estructural que libera la luz:

• Arco apuntado y bóveda de crucería: permiten descargar el peso sobre las columnas, eliminando los muros de carga.
• Grandes vanos: las paredes se llenan de vidrieras. La luz se convierte en protagonista.
• Verticalidad: las catedrales góticas apuntan al cielo. La altura se convierte en signo de lo divino.

Renacimiento (1400-1530)

Schwanitz presenta el Renacimiento (nota 04) como la revolución del cuerpo y la perspectiva. La pintura renacentista recupera la representación del cuerpo humano en su volumen y la perspectiva central, que devuelve al espacio pictórico su tercera dimensión.

Técnicas del Renacimiento

• Perspectiva central: las líneas convergen en un punto de fuga que organiza el espacio.
• Sfumato: degradado de tonos que elimina los contornos. Leonardo lo lleva al extremo.
• Anatomía: el estudio del cuerpo humano, la disección, el dibujo del natural.
• Paisaje: la naturaleza deja de ser fondo decorativo y pasa a ser objeto pictórico.

Los grandes

Schwanitz ya recorre a Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel y Rafael en la nota 04. Aquí añade el contexto italiano:

• Florencia: cuna del Renacimiento. Los Médici, mecenas; la Academia platónica, estímulo intelectual.
• Roma: el papa se convierte en mecenas. La Basílica de San Pedro, las Estancias de Rafael, la Capilla Sixtina.
• Venecia: la pintura veneciana (Giorgione, Tiziano, Veronés) se concentra en el color más que en el dibujo. Escuela tonal, no lineal.

Barroco (1600-1700)

El Barroco es la respuesta de la Contrarreforma católica al protestantismo. Schwanitz describe la estética barroca como movimiento, persuasion, contraste:

• Luz y sombra (claroscuro): Caravaggio pinta con fondos oscuros y figuras iluminadas por luces dramáticas. La luz es metáfora de la gracia divina.
• Tensión y movimiento: Bernini esculpe figuras en pleno instante de acción. El éxtasis de Santa Teresa (1647-1652) muestra el momento exacto del arrobamiento.
• Persuasión emocional: la pintura barroca quiere conmover, no solo mostrar. La experiencia estética es visceral.

Artistas clave

• Caravaggio (1571-1610): pintura con luz artificial. Modelos populares, no idealización. Su realismo es incómodamente moderno.
• Artemisia Gentileschi (1593-1656): pintora barroca, técnica de Caravaggio, temas bíblicos con heroínas femeninas.
• Bernini (1598-1680): escultor y arquitecto del barroco romano. El Colonnato de San Pedro, la Fontana de los Cuatro Ríos.
• Rubens (1577-1640): barroco flamenco. Cuerpos en movimiento, color intenso, encargos masivos.
• Velázquez (1599-1660): pintor de la corte de Felipe IV. Las Meninas (1656) es la culminación del Barroco y la primera pintura moderna (el artista se autorretrata pintando al rey, desdibujando la frontera entre realidad y representación).

Línea temporal del Barroco:

1596  Caravaggio pinta "Los tahúres"
1599  Caravaggio pinta "Judit y Holofernes"
1600  Bernini inicia la Capilla Cornaro
1623  Velázquez llega a Madrid
1648  Paz de Westfalia (fin de las guerras de religión)
1656  Velázquez pinta "Las Meninas"
1670  Bernini culmina la columnata de San Pedro

Entre Barroco y Romanticismo (1700-1800)

Schwanitz describe la Ilustración y el siglo XVIII como un paréntesis donde los estilos se vuelven internacionales y cortesanos:

• Rococó (1700-1770): la versión ligera del Barroco. Colores pastel, asimetría, decoración de interiores. Francia de Luis XV. Watteau, Boucher, Fragonard.
• Neoclasicismo (1770-1830): reacción contra el Rococó. Vuelta a la Antigüedad greco-romana. David e Ingres en Francia, Canova en escultura. Estética severa, moralizante.
• Romanticismo (1800-1850): el siglo XIX nace bajo el signo del subjetivismo. La emoción, la naturaleza, el héroe aislado, el Infinito. Géricault, Delacroix, Friedrich, Turner, Goya.

Siglos XIX y XX: la explosión

Schwanitz describe los movimientos artísticos del XIX y XX como un aceleracionismo: cada generación rompe con la anterior y propone un nuevo credo.

Impresionismo (1860-1890)

La revolución impresionista es técnica: pintar la luz, no el objeto. Para ello:

• Pincelada suelta: la imagen se rompe en manchas de color.
• Pleno aire: pintar al aire libre, captando la luz del momento.
• Desdén del dibujo: lo que importa es la impresión óptica, no la forma.

Postimpresionismo y Symbolismo (1880-1900)

Los hijos del Impresionismo lo critican por su falta de estructura:

• Cézanne (1839-1906): “tratar la naturaleza por medio del cilindro, la esfera y el cono”. La pintura vuelve a la construcción.
• Van Gogh (1853-1890): la emoción como contenido. Color saturado, pincelada como huella biográfica.
• Gauguin (1848-1903): el color como símbolo. La ruptura con la civilización occidental.
• Seurat (1859-1891): el puntillismo, la ciencia del color.

Diagrama de movimientos post-impresionistas:

Impresionismo (luz)
   │
   ├── Cézanne ──► estructura ──► Cubismo
   │
   ├── Van Gogh ──► emoción ──► Expresionismo
   │
   ├── Gauguin ──► color simbólico ──► Fauvismo
   │
   └── Seurat ──► ciencia del color ──► Neo-impresionismo

Vanguardias (1900-1940)

Schwanitz describe las vanguardias como ismos que se contradicen entre sí:

• Fauvismo (1905): “las bestias”. Matisse, Derain. Color puro, sin dibujo.
• Cubismo (1907-1914): Picasso, Braque. La realidad se rompe en planos. La perspectiva fija se sustituye por múltiples puntos de vista simultáneos.
• Expresionismo (1905-1920): Alemania, Die Brücke, Der Blaue Reiter. La deformación como vehículo de la emoción.
• Futurismo (1909): Marinetti. La velocidad, la máquina, la guerra como higiene del mundo.
• Dadaísmo (1916): Tristan Tzara, en Zúrich. La negación del arte como afirmación. El absurdo como método.
• Surrealismo (1924): Breton. El inconsciente como motor. Dalí, Magritte, Ernst.
• Bauhaus (1919-1933): la escuela de la arquitectura y el diseño modernos. Gropius, Mies van der Rohe, Kandinsky. La unión de arte y técnica.

Arte de posguerra (1945-2000)

Después de 1945, el arte ya no tiene un programa unificado. Schwanitz describe una pluralidad atenta:

• Expresionismo abstracto (1945-1960): Pollock, Rothko. La acción de pintar como tema. La mancha como huella.
• Pop Art (1955-1970): Warhol, Lichtenstein. El objeto de consumo como materia estética. La sopa Campbell, la Marilyn.
• Minimalismo (1960-1970): Donald Judd, Dan Flavin. La reducción a la forma elemental. El cubo, la luz, la línea.
• Arte conceptual (1970-): el concepto por encima del objeto. A veces la obra es solo un texto.
• Performance, instalación, videoarte: el arte deja de ser objeto para ser situación.

Línea temporal del arte moderno (resumen):

1860  Impresionismo (luz, plein air)
1880  Postimpresionismo (Cézanne, Van Gogh, Gauguin)
1905  Fauvismo (color)
1907  Cubismo (estructura)
1910  Expresionismo (emoción)
1916  Dadaísmo (negación)
1924  Surrealismo (inconsciente)
1920  Bauhaus (diseño)
1945  Expresionismo abstracto (acción)
1960  Pop, Minimalismo
1970  Arte conceptual, performance

Resumen en tres frases

• La historia del arte europeo es una historia de estilos, no solo de artistas.
• Cada estilo nace de la tensión entre la integridad de la obra individual y la autonomía del arte como práctica.
• El arte del XX se caracteriza por una reflexividad creciente: el arte empieza a preguntarse por la esencia de su propia práctica, hasta disolver la frontera entre representación y reflexión.

Próximos pasos

• Historia de la música: el otro gran lenguaje cultural europeo. Desde la polifonía medieval hasta el jazz y la música serial del siglo XX.